Serge Charchoune

Peintre et poète d’origine russe, Serge Charchoune est un artiste incontournable du XXe siècle. À travers l’ornement, le cubisme, le dadaïsme et le purisme, Charchoune nous offre une œuvre multiple et poétique.

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LES ANNÉES 1940
Quand les procédés surréalistes permettent l’abstraction
EXPOSITION COLLECTIVE
21 FÉVRIER – 30 AVRIL 2022

LES ANNÉES 1940
Quand les procédés surréalistes permettent l’abstraction

Publication digitale – Textes de Mathilde Gubanski

Serge Charchoune Primitif et complexe, une analyse par Mathilde Gubanski

La jeunesse russe de Serge Charchoune

Serge Charchoune naît le 4 août 1888 à Bougourouslan en Russie. Après s’être intéressé à la poésie et à la musique, Charchoune, fils de marchand, intègre l’école de commerce Simbirsk. Ces études lui déplaisent et il décide de se tourner vers la peinture. Il se présente aux Beaux-Arts de Kazan où il est refusé : « Je dessinais très mal. J’ai toujours détesté dessiner. Le dessin et la peinture sont à mes yeux les plus grands ennemis ». Serge Charchoune peint alors des paysages d’après nature inspirés par les rives de la Volga où il a passé son enfance. C’est à Moscou, en 1909, qu’il découvre la peinture française, présentée au public russe grâce aux collections des marchands Morozov et Stchoukine.

Le peintre Serge Charchoune à Paris

Appelé pour faire son service militaire, Serge Charchoune déserte et se rend à Paris en 1912. Il intègre l’Académie Russe Libre puis l’Académie cubiste La Palette où il rencontre des professeurs déterminants : André Dunoyer de Segonzac, Henri Le Fauconnier et Jean Metzinger. Serge Charchoune expose pour la première fois au Salon des Indépendants en 1913 où il présente des œuvres cubistes. Il y montre également trois toiles l’année suivante.

Serge Charchoune à Barcelone

À la déclaration de guerre en 1914, Serge Charchoune se réfugie à Barcelone avec sa compagne la sculpteur Helena Grunhoff. D’autres artistes s’y rendent au même moment : Sonia et Robert Delaunay, Albert Gleizes, Marie Laurencin, ainsi que Francis Picabia qui y lancera sa revue dadaïste 391. Charchoune rencontre également le boxeur-poète Arthur Cravan et Josef Dalmau, antiquaire passionné par l’art d’avant-garde. C’est dans la galerie de ce dernier que Charchoune expose ses peintures abstraites qu’il qualifie lui-même d’ « ornementales ». Cette première exposition personnelle de 1916 est également la première exposition de peinture abstraite organisée en Espagne. Une seconde exposition personnelle a lieu l’année suivante.

À Barcelone, Serge Charchoune découvre la céramique mauresque, les azulejos, et l’art mozarabe qui lui rappellent l’art décoratif slave. Il intègre ces motifs dans des compositions géométriques colorées et conçoit ainsi le « cubisme ornemental ». L’artiste raconte : « Azulejos ! Les carreaux de faïence peinte ont transformé ma conception picturale en libérant en moi ma nature slave innée. Mes tableaux sont devenus colorés et ornementaux. » Serge Charchoune mêle ainsi son héritage traditionnel russe et la rigueur du cubisme français. Le critique d’art français Pierre Brisset écrit : « Ce Russe resté profondément attaché à l’Orient déserté, à ses parfums, ses icônes, ses étoffes chatoyantes et ses ‘bijoux sonores’, fait donc de l’ornement ou plutôt, pour reprendre son mot un ‘impressionnisme ornemental’, lui-même successeur de son ‘cubisme ornemental’ des années 1920. Un impressionnisme ornemental parfois si riche, si éclatant, si tonitruant où vibrent et se heurtent si fort les formes et les couleurs, qu’il peut aujourd’hui encore nous paraître (…) à la limite du barbare et de la déraison. Mais aussi parfois, comme dans certaines ‘natures mortes’, un ornement qui sait se faire grave, austère, silencieux, d’une beauté mystique quasi bénédictine, où se fondent et se perdent les volumes en un chromatisme à peine perceptible de blancs, de bruns et de gris plus proches de la bure monacale que des artifices byzantins. »

Serge Charchoune et le mouvement Dada

En 1917, la révolution Russe encourage Charchoune à rentrer et il s’engage pour cela dans le Corps Expéditionnaire russe en France. Naturellement rebelle, ce sera un échec et il sera réformé en 1919.

Charchoune est donc de retour à Paris en 1920 et assiste au Festival Dada de la salle Gaveau où il retrouve Picabia. Grâce à ce dernier, il rencontre le libraire André Forr et l’artiste Tristan Tzara. Sa première exposition parisienne a donc lieu dans la librairie d’André Forr. Serge Charchoune intègre ainsi le mouvement Dada : il envoie à Picabia une illustration pour sa revue 391 et est invité à participer aux réunions au café Certá et aux manifestations du groupe : Salon Parallèle des dadaïstes à la Galerie Montaigne avec Jean Arp, Max Ernst, Man Ray et Tristan Tzara. Charchoune contribue également une œuvre collective : L’Œil Cacodylate, dans laquelle Picabia peint « le troisième œil de la connaissance » et Charchoune signe « Soleil Russe » autour de l’œil. Le peintre retrouve dans Dada le sens de l’absurde qu’il avait apprécié dans la poésie russe. Il publie en 1921 son premier poème en français Foule immobile qu’il illustre lui-même de 12 dessins. Il participe aussi au « procès Barrès » organisé par André Breton en mai 1921 : procès pénal fictif du nationaliste Maurice Barrès par les dadaïstes.

L’artiste Serge Charchoune crée le groupe Dada Palata Poetov (La Chambre des Poètes) qui se réunit au café Caméléon, 146 boulevard du Montparnasse. Il organise une soirée « dadaïste russe » le 21 décembre 1921 à laquelle participent André Breton et Louis Aragon.

Serge Charchoune à Berlin

En mai 1922, Charchoune se rend à Berlin dans l’espoir d’obtenir un visa pour l’URSS. Il y publie une revue Dada en langue russe Perevoz Dada (Le Transbordeur Dada) dont il rédige seul le premier numéro. Puis, il édite une anthologie de poésie dadaïste allemande, française et russe Dadaizm, kompilacija. Il collabore également à diverses revues comme Merz de Kurt Schwitters. Finalement, Serge Charchoune ne rentre pas en Russie mais retrouve à Berlin une communauté russe dont la danseuse Isadora Duncan, les peintres Ivan Albertovitch Pugni (dit Jean Pougny), Lazar Lissitzky et Michel Andreenko et les poètes Andreï Biely, Sergueï Essénine, Vladimir Maïakovski, Alexandre Koussikov et Boris Pasternak.

Serge Charchoune participe à l’exposition Der Sturm en 1922 et y montre une nouvelle série de peintures du « cubisme ornemental ». Il bénéficie également d’une exposition personnelle à la librairie Sarja et participe à une exposition d’art russe à la Galerie Van Diemen. Après 14 mois passés à Berlin, Charchoune rentre définitivement à Paris.

Le retour à Paris et le purisme

De retour à Paris en 1923, le peintre Serge Charchoune délaisse le dadaïsme et le cubisme vit ses derniers moments. L’artiste organise une cérémonie pour inhumer le cubisme. Il invite ses amis à « assister à l’enterrement du cubisme », et signe « Serge Charchoune, Croque-mort ». « Charchoune aime à dire qu’il meurt et renaît sans cesse au fil de ses œuvres où il est tout entier à l’heure de la création. » [1] Lors d’une exposition à la Galerie Jeanne Bucher en 1926, il vend toutes ses œuvres du « cubisme ornemental » et commence alors sa période « puriste ». Il rencontre l’artiste Amédée Ozenfant à travers Nadia Khodassievitch-Léger. Les deux artistes se lient d’amitié. En 1927, Charchoune expose ses œuvres puristes à la Galerie Aubier et Amédée Ozenfant écrit la préface du catalogue. Avec ce dernier et Le Corbusier, Charchoune participe à la revue L’Esprit Nouveau avec de nombreux artistes et écrivains dont : André Lhote, Georges Valmier, Picasso, Apollinaire, Jean Cocteau, André Breton et Fernand Léger. Amédée Ozenfant présente Serge Charchoune à la Galerie Percier et à son directeur André Level qui lui offre sa première grande exposition. Il y rencontre également le peintre René Rimbert qui deviendra son ami et avec lequel il entretient une correspondance importante.

Les temps difficiles

Dés 1929, Charchoune s’éloigne du Purisme et débute ses Paysage Élastiques dans lesquels réapparaît une inspiration dadaïste. Il peint deux séries d’œuvres : Feuilles de Température et L’Impressionnisme ornemental (1929-1931) dans lesquelles on retrouve les spirales et les arabesques qui lui permettent d’offrir une vision unique et inédite de la nature. En 1929, toute l’Europe est touchée par un énorme krach boursier, c’est donc une période de misère et d’isolement pour Charchoune. Il peint de très petits formats sur des restes de toiles ou sur papier. Il crée des natures-mortes qui sont des méditations sur les objets modestes de son quotidien : bols, pichets, carafes, pipes, bouteilles… en camaïeux de blancs et de beiges.

Charchoune vend très peu et vit dans le plus grand dénuement. Il abandonne un temps la peinture pour se consacrer à l’écriture et fréquente le cercle littéraire russe.

Un nouveau souffle

En 1943, le grand collectionneur Roger Dutilleul apporte un nouveau souffle à l’artiste Charchoune en lui présentant le galeriste Raymond Greuze qui l’exposera pendant douze ans, de 1944 à 1956. Le marchand Edwin W. Livengood prendra également Serge Charchoune sous contrat en 1944.

Le Salon des Surindépendants de 1945 (20 oct.–13 nov. 1945, Parc des expositions – Porte de Versailles, Paris) est un évènement essentiel dans la vie de Serge Charchoune et des artistes abstraits de Paris. Il s’agit en effet de la première grande exposition d’art abstrait après-guerre, qui rassemble non seulement des œuvres mais aussi des artistes. Pour la première fois, ces peintres se rencontrent et parlent ensemble de leur travail. Les français et les étrangers de Paris échangent et créer des liens d’amitié. C’est en autre la première fois que Serge Charchoune, Marie Raymond et Gérard Schneider exposent ensemble. Serge Charchoune est russe et Gérard Schneider est suisse. Marie Raymond, française, est mariée au peintre Fred Klein, hollandais. Elle est donc en contact avec les étrangers de Paris. Critique d’art, Marie Raymond est toujours à la recherche d’artistes à découvrir. Lorsqu’elle écrit à propos du Salon dans la revue hollandaise Kunst en Kultuur, Marie Raymond choisit d’illustrer son article avec une œuvre de Serge Charchoune. De plus, elle dessine son portrait l’année suivante (œuvre aujourd’hui conservée au Centre Pompidou, Paris).

L’eau dans l’œuvre de Serge Charchoune

De 1948 à 1950, le thème de l’eau envahit les œuvres de Serge Charchoune dont la vie a été traversée par la Volga puis par la Seine. De ses longues marches le long des fleuves, l’artiste retient des paysages semi-figuratifs d’une grande poésie. Il crée également une série sur Venise. Ses marines sont constituées de nombreuses couches superposées où le blanc recouvre des compositions aux couleurs contrastées. L’artiste écrit : « J’étais et je suis resté un homme de la nature, mais j’étais né aussi un homme des arts, et ces trois éléments, la forêt, la rivière, la musique, devinrent très vite pour moi une harmonie picturale que je cherchais à rendre sur le papier. » L’historienne Valentine Marcadé écrit : « L’enfance et l’adolescence de Charchoune se sont déroulés dans la proximité immédiate de la nature, dans la constante contemplation de l’eau qui coule avec sa surface lisse qui change sans cesse, malgré sa monotonie apparente. Comme d’autres maîtres russes de la plume et du pinceau, Charchoune resta toute sa vie intimement et indissolublement lié aux éléments de la nature qui l’ont vu naître, reproduisant sur ses toiles construites toute la palpitation de l’eau qui court avec ses reflets nacrés, les arabesques complexes de la surface ondulée. »

[1] René Guerra, « Profil de Charchoune » in Charchoune, Galerie Rue de Seine, Paris, 1974

La musique comme ultime source d’inspiration

De 1954 à 1975, la peinture de Serge Charchoune est nourrie par la musique et notamment Bach, Mozart, Beethoven et les romantiques Moussorgski, Tchaïkovski et Stravinsky. Le peintre arrive ainsi à l’ « abstrait ornemental » où il transpose les ondes sonores sur toile. « La musique me donne le thème. En écoutant la musique, je vois la peinture les yeux fermés, comme un filon coloré qui se déroule, je la vois d’abord avec des couleurs primitives et mon tableau est commencé très coloré. J’écoute et fais des traces télépathiques sur la toile. Ça devient ornemental. Je commence à cracher de la couleur et ça devient très décoratif, très coloré » [2] explique l’artiste.

Charchoune écrit très tôt à propos du lien entre la peinture et la musique, notamment en 1922 dans son journal avec des aphorisme tels que : « La musique de clavecin de Bach et de Couperin, je la perçois comme la peinture de Kandinsky et de Klee. C’est le monde qui m’est cher, le monde ornemental » et « Le pinceau est l’archet de mon violon ».

La postérité de l’artiste Serge Charchoune

Serge Charchoune est un peintre souvent qualifié d’« oublié » ou de « méconnu » par les auteurs de son temps comme : Gaston Diehl, Charles Estienne, Alain Jouffroy, Pierre Schneider et Philippe Soupault. Il a pourtant toujours été soutenu et admiré par les artistes et les galeristes. Jacques Villon lui écrit en 1941 : « Je me réjouis d’aller bientôt communier avec votre art dépouillé ». Philippe Hosiasson témoigne en 1957 : « Que dire de Charchoune qui ne cherche que l’indicible… ? La couleur — quand il en fait usage — se vide de toute résonnance : sa peinture est chuchotement inspiré… Qui l’a perçu ne saurait l’oublier… » Enfin Picasso : « Pour moi, il y a deux peintres : Juan Gris et Charchoune. » Serge Charchoune rencontre en 1954 le poète Pierre Lecuire et le peintre Nicolas de Staël. Ce dernier, très admiratif, affirme de Charchoune dont il possède une toile : « c’est le plus grand d’entre nous ».

L’œuvre de Serge Charchoune est célébrée en 1971 grâce à une rétrospective au Musée National d’art moderne à Paris où une centaine d’œuvres retracent l’ensemble de sa carrière. C’est enfin une reconnaissance nationale. Le poète Patrick Waldberg écrit à propos de Charchoune : « Le conflit entre le matériel et le spirituel est […] sous-jacent à toutes les phases de son œuvre […] Depuis les monochromies agitées de frémissements ondulatoires jusqu’aux masses superposées s’échafaudant en ‘palais d’âme’ et aux spirales et aux orbes entremêlant leurs volutes dans le mystère des lueurs mauves et, toujours, c’est un mouvement ascensionnel qui l’emporte, un rythme qui prend naissance au cœur de l’être et tend à l’accorder aux forces élémentaires de l’Univers. » Serge Charchoune décède en 1975 après avoir produit plus de 5 000 peintures.

[2] Entretient avec Michel Ragon, Jardin des arts, 1966

© Galerie Diane de Polignac / Astrid de Monteverde

Serge Charchoune, 1958 (Photo: Jean-François Bauret) © Jean-François Bauret